Карлос Клайбер назван лучшим дирижером всех времён.
По результатам опроса, проведенного английским журналом BBC Music Magazine , Карлос Клайбер признан лучшим дирижером всех времён. Опрос проводился среди 100 ведущих дирижеров современности, таких как сэр Колин Дэвис, Густаво Дудамель, Валерий Гергиев, Марис Янсонс и других, чтобы выявить, кем из своих коллег они восхищаются больше остальных (кто для них является вдохновением). Карлос Клейбер, австрийский маэстро, который провел только 96 концертов и около 400 оперных спектаклей за свои 74 года, опередил Леонарда Бернстайна и Клаудио Аббадо, которые заняли второе и третье места соответственно.

Сусанна Мялкки, финский дирижер французского Ensemble Intercontemporain и одна из участниц опроса, прокомментировала результаты: "Карлос Клайбер принес невероятную энергию в музыку... Да, у него было примерно в пять раз больше времени для репетиций, чем могут позволить себе современные дирижеры, но он это заслужил, потому что его видение музыки поразительно, он точно знает, чего хочет, и его внимание к мельчайшим деталям действительно вдохновляет."

Итак, 20 лучших дирижеров всех времен по результатам опроса BBC Music Magazine, проведённого в ноябре 2010 и опубликованного в марте 2011.

1. Карлос Клайбер (Carlos Kleiber) (1930-2004) Австрия
2. Леонард Бернстайн (Leonard Bernstein) (1918-1990) США
3. (род.1933) Италия
4. Герберт фон Караян (Herbert von Karajan)((1908-1989) Австрия
5. Николаус Арнонкур (Nikolaus Harnoncourt) (род.1929) Австрия
6. Сэр Саймон Рэттл (Simon Rattle) (род.1955) Великобритания
7. Вильгельм Фуртвенглер (Wilhelm Furtwangler) (1896-1954) Германия
8. Артуро Тосканини (Arturo Toscanini) (1867-1957) Италия
9. Пьер Булез (Pierre Boulez) (род. 1925) Франция
10. Карло Мария Джулини (Carlo Maria Giulini) (1914-2005) Италия
11. Джон Элиот Гардинер (John Eliot Gardiner) (род.1943) Великобритания
12.
13. Ференц Фричаи (Ferenc Fricsay) (1914-1963) Венгрия
14. Джордж Селл (George Szell) (1897-1970) Венгрия
15. Бернард Хайтинк (Bernard Haitink) (род.1929) Нидерланды
16. Пьер Монте (Pierre Monteux) (1875-1964) Франция
17. Евгений Мравинский (1903-1988) Россия (СССР)
18. Колин Дэвис (Colin Davis) (род.1927) Великобритания
19. Томас Бичем (Thomas Beecham) (1879-1961) Великобритания
20. Чарльз Маккерас (Charles Mackerras) (1925-2010) Австралия

Биографическая справка:
Карлос Клайбер (Carlos Kleiber), полное имя Карл Людвиг Клайбер - австрийский дирижёр. Родился 3 июля 1930 в Берлине, сын известного дирижёра Эриха Клайбера. Вырос в Аргентине, в 1949-1950 гг. изучал химию в Цюрихе. Музыкальную карьеру начал в 1951 г. коррепетитором в Мюнхене. Дирижёрский дебют Клайбера состоялся в 1954 г. в Потсдаме. Потом он работал в Дюссельдорфе, Цюрихе и Штутгарте. В 1968—1973 гг. работал в Баварской государственной опере в Мюнхене и до 1988 г. оставался её приглашённым дирижёром. В 1973 г. впервые выступил в Венской Государственной опере. Выступал в Ла Скала, Ковент-Гарден (с 1974 г.) Метрополитен-Опера (с 1988 г.) и др. театрах; участвовал в Эдинбургском фестивале (c 1966 г.). Сотрудничал с Венским и Берлинским филармоническими оркестрами. Последнее выступление дирижёра состоялось в 1999 г. Умер 13 июля 2004 в Словении.

Л.В.Бетховен. Симфония № 7 соч.92.
Королевский оркестр Концертгебау (Нидерланды). Дирижер Карлос Клайбер.

1. Здравствуйте! Я – педагог дополнительного образования, преподаватель хорового класса, постановки голоса и фортепиано. Работаю в центре детского творчества автозаводского района г. Нижнего Новгорода на базе школы №63 с углубленным изучением музыки.
2. Позвольте мне представить вашему вниманию компьютерную презентацию «Русские дирижеры современности»
3. Сначала я расскажу вам, кто такой дирижер.
   «Дирижер» - французское слово и означает оно «руководить». Соответственно, дирижер – это руководитель оркестрового, оперного, а так же хорового коллектива. Дирижирование является одним из самых сложных видов музыкального исполнительства. Дирижёру принадлежит художественная трактовка произведения. Хоровому дирижеру нужно следить за строем хора, за правильным и одновременным произношением текста, правильным снятием и вступлением. Дирижирование, как самостоятельная профессия, появилось во второй половине 19 века. Дирижер – это душа ансамбля!
4. Дирижер может руководить хоровым коллективом, а так же оперно-симфоническим. По другому дирижера хора называют хормейстером.
5. Я хочу вас познакомить с некоторыми русскими дирижерами нашего времени.
6. Павел Коган один из самых известных дирижеров нашей страны. Его творческая карьера началась более 40 лет назад. Коган родился в музыкальной семье. Его родители, Леонид Коган и Елизавет Гилельс, являются скрипачами. Дебют Когана, как дирижера, состоялся в 1972 году с Государственным Симфоническим Оркестром СССР. С 1989 года является художественным руководителем и главным дирижером МГАСО (Московского государственного симфонического оркестра). Так же Коган работает с лучшими оркестрами мира. Дирижер является лауреатом Государственной премии России и носит звание «Народный артист России». По мимо премии, Коган имеет множество российских и международных наград.
7. Гергиев Валерий Абисалович родился 2 мая 1953 года в Москве. Вырос в Северной Осетии. В двенадцать лет поступил в Ленинградскую консерваторию на дирижерский факультет. Будучи студентом участвовал в международном конкурсе дирижеров в Берлине Герберга фон Караяна. Там он занял почетное второе место. Окончив консерваторию, Гергиев был принят в качестве ассистента в Кировский театр. В 1978 году он продирижировал оперу Прокофьева "Война и мир". Позже Гергиев руководил Государственным симфоническим оркестром Армении. В 1988 году занял место главного дирижера Кировского театра. Гергиев организовал свой фестиваль, посвященный операм Мусоргского, в последствии тематические фестивали под управлением дирижера стали традицией. Так же Гергиев является главным дирижером Лондонского симфонического оркестра. Является обладателем международных и российских наград.
8. Спиваков Владимир Теодорович родился в 1944 году в городе Уфе. Его мать, Екатерина Осиповна Вайнтрауб, окончила московскую консерваторию по классу фортепиано. В 1955 году Спиваков учился в музыкальной школе при Московской консерватории. В 1968 году окончил консерваторию, а 1970 аспирантуру под руководством Юрия Янкелевича. В 1979 году основал камерный оркестр «Виртуозы Москвы», руководит им и по сей день. Так же Спиваков является руководителем музыкального фестиваля в Кольмаре. В 2001 году в Москве Владимир Теодорович организовал Московский международный фестиваль. Работал с множеством американских и европейских оркестрами. В 1994 году учредил Международный благотворительный фонд Владимира Спивакова . Является заслуженным артистом РСФСР, народным артистом СССР, народным артистом Украины и тд.
9. Башмет Юрий Абрамович родился 24 января 1953 года в Ростове-на-Дону. Учился в Львовской специальной музыкальной школе. В 1976 году окончил Московскую консерваторию.Является создателем камерного оркестра «Солисты Москвы». Так же Юрий Башмет является альтистом. С 1996 года является профессором Московской консерватории. В 1996 году создаёт и возглавляет в Московской консерватории «Экспериментальную кафедру альта» . С 2002 года руководит и дирижирует Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия». Работал с Берлинским, Нью-Йоркским филармоническими оркестрами, Чикагским и Лондонским симфоническими оркестрами. Является народным артистом СССР и лауреатом четырех Государственных премий Российской Федерации.
10. Хочу закончить свой методический доклад цитатой Валерия Филатова «Если у хора нет дирижёра – каждый старается «перекричать» другого»
    Дирижер, это словно подсказка, это словно волшебная палочка, которая жестами говорит где и кому нужно вступать, где делать паузу, он словно помогает оркестру (хору), его вдохновляет и дарит свою позитивную энергетику.
11. Спасибо за внимание!

Советская эпоха была щедра на таланты. В историю мировой культуры вошли имена блистательных советских пианистов, скрипачей, виолончелистов, певцов и, конечно, дирижеров. В это время сформировалось современное представление о роли дирижера - лидера, организатора, мэтра.

Какими они были, музыкальные лидеры советской эпохи?

Пять портретов из галереи выдающихся дирижеров.

НИКОЛАЙ ГОЛОВАНОВ (1891–1953)

Уже в шесть лет во время прогулки Николай попробовал дирижировать военным оркестром. В 1900 году юный любитель музыки был принят в Синодальное училище. Здесь раскрылись его вокальные, дирижерские и композиторские способности.

Став уже зрелым мастером, Голованов с большой любовью напишет о годах учения: «Синодальное училище дало мне всё - моральные принципы, жизненные устои, умение работать много и систематически, привило священную дисциплину».

После нескольких лет работы регентом Николай поступил в класс композиции Московской консерватории. В 1914 году он окончил ее с малой золотой медалью. На протяжении всей своей жизни Николай Семенович писал духовные песнопения. Он продолжал работу в этом жанре и тогда, когда религия была провозглашена «опиумом народа».

Фрагмент исполнения увертюры Чайковского «1812 год»

В 1915 году Голованов был принят в Большой театр. Все начиналось со скромной должности помощника хормейстера, а в 1948 году он стал главным дирижером. Отношения с прославленным театром не всегда были ровными: Николаю Голованову пришлось пережить много обид и разочарований. Но в истории остались не они, а блистательные интерпретации русской оперной и симфонической классики, яркие премьеры сочинений композиторов-современников и первые радиотрансляции классической музыки в СССР с его участием.

Дирижер Геннадий Рождественский так вспоминает о мастере: «Он не переносил середины. Безразличной середины. И в нюансировке, и во фразировке, и в отношении к делу».

Хотя учеников-дирижеров у Голованова не было, но его интерпретации русской классики становились образцами для молодых музыкантов. Основоположником советской дирижерской школы суждено было стать Александру Гауку.

АЛЕКСАНДР ГАУК (1893–1963)

Александр Гаук учился в Петроградской консерватории. Композицию он изучал в классе Александра Глазунова, дирижирование - в классе Николая Черепнина.

В 1917 году начинается музыкально-театральный период его жизни: он работает в Петроградском театре музыкальной драмы, а затем в Ленинградском театре оперы и балета.

В 1930-е годы в центре интересов Гаука оказывается симфоническая музыка. В течение нескольких лет он руководил симфоническим оркестром Ленинградской филармонии, а в 1936 году возглавил только что созданный Государственный симфонический оркестр СССР. По театру он не скучал, только сожалел, что так и не довелось поставить любимую «Пиковую даму» Чайковского.

А. Онеггер
Пасифик 231

В 1953 году Гаук стал главным дирижером Большого симфонического оркестра Гостелерадио СССР. Эта работа была очень напряженной и интересной. Оркестр играл программы, что называется, в прямом эфире. В 1961-м маэстро был «вежливо» отправлен на пенсию.

Радостью для Гаука была педагогическая деятельность. Евгений Мравинский, Александр Мелик-Пашаев, Евгений Светланов, Николай Рабинович - все они были учениками маэстро.

Евгений Мравинский, сам уже прославленный мастер, напишет своему педагогу в поздравительном письме: «Ты - единственный наш дирижер, несущий традиции настоящей большой культуры».

ЕВГЕНИЙ МРАВИНСКИЙ (1903–1988)

Вся жизнь Мравинского была связана с Петербургом–Ленинградом. Он родился в дворянской семье, но в трудные годы ему приходилось заниматься и «недворянскими» делами. К примеру, работать статистом в Мариинском театре. Важную роль в его судьбе сыграла личность руководителя театра - Эмиля Купера: «Именно он и внедрил в меня тот «гран отравы», который на всю жизнь связал меня с дирижерским искусством».

Ради музыки Мравинский бросил университет и поступил в Петроградскую консерваторию. Сначала студент усердно занимался композицией, а потом увлекся дирижированием. В 1929 году он пришел в класс Гаука и очень быстро освоил основы этого сложного (или «темного», как говорил Римский-Корсаков) дела. По окончании консерватории Мравинский становится дирижером-ассистентом Ленинградского театра оперы и балета.

В 1937 году произошла первая встреча дирижера с музыкой Дмитрия Шостаковича. Мравинскому была доверена премьера его Пятой симфонии.

Шостаковича поначалу даже испугал метод работы дирижера: «О каждом такте, о каждой мысли Мравинский учинял мне подлинный допрос, требуя от меня ответа на все возникавшие у него сомнения. Но уже на пятый день нашей совместной работы я понял, что такой метод является безусловно правильным».

После этой премьеры музыка Шостаковича станет постоянной спутницей жизни маэстро.

В 1938 году Мравинский победил на Первом Всесоюзном конкурсе дирижеров и тут же был назначен руководителем оркестра Ленинградской филармонии. Многие артисты оркестра были значительно старше дирижера, поэтому не стеснялись давать ему «ценные указания». Но пройдет совсем немного времени, на репетициях установится рабочая атмосфера, и этот коллектив станет гордостью отечественной культуры.

Репетиция оркестра Ленинградской филармонии

Не так часто в истории музыки встречаются примеры, когда дирижер работает с одним коллективом в течение нескольких десятилетий. Евгений Мравинский возглавлял оркестр филармонии полвека, его младший коллега Евгений Светланов руководил Госоркестром 35 лет.

Дмитрий Шостакович, Симфония №8

ЕВГЕНИЙ СВЕТЛАНОВ (1928–2002)

Для Светланова Большой театр был родным в особом смысле слова. Его родители - солисты оперной труппы. Будущий маэстро дебютировал на прославленной сцене в нежном возрасте: он сыграл маленького сына Чио-Чио-сан в опере Пуччини «Мадам Баттерфляй».

Почти сразу после окончания консерватории Светланов приходит в Большой театр, осваивает всю театральную классику. В 1963 году он становится главным дирижером театра. Вместе с ним труппа выезжает на гастроли в Милан, в Ла Скала. Светланов выносит на суд требовательной публики «Бориса Годунова», «Князя Игоря», «Садко».

В 1965 году он возглавил Государственный симфонический оркестр СССР (тот самый, который когда-то руководил его педагог Александр Гаук). Вместе с этим коллективом, ставшим в 1972 году академическим, Светланов реализовал масштабный проект - «Антология русской симфонической музыки в грамзаписи». Значение этого труда очень точно определил музыкальный директор «Радио Франс» Рене Геринг, много работавший с дирижером: «Это настоящий подвиг Светланова, еще одно свидетельство его величия».

М.Балакирев, симфония №2, финал

Работая с ГАСО, дирижер не забывает о Большом театре. В 1988 году настоящей сенсацией стала постановка «Золотого петушка» (режиссер - Георгий Ансимов). Светланов пригласил на сверхсложную партию Звездочета «неоперного» певца Александра Градского, что прибавило спектаклю еще больше оригинальности.

Концерт «Шлягеры уходящего века»

Среди самых важных достижений Евгения Светланова - приобщение широкого круга слушателей к музыке выдающегося композитора Николая Мясковского, очень редко исполнявшейся советскими оркестрами.

Возвращение на концертную эстраду малоизвестных сочинений стало одной из ключевых задач и для маэстро Геннадия Рождественского.

ГЕННАДИЙ РОЖДЕСТВЕНСКИЙ (РОД. 1931)

Дирижеры, играющие на инструментах или сочиняющие музыку, - не редкость. А вот дирижеры, способные рассказывать о музыке, встречаются нечасто. Геннадий Рождественский - настоящий уникум: он может увлекательно рассказывать и писать о музыкальных произведениях разных эпох.

Дирижированию Рождественский учился у своего отца - известного дирижера Николая Аносова. Мама, певица Наталья Рождественская, многое сделала для развития художественного вкуса сына. Еще не окончив консерваторию, Геннадий Рождественский был принят в Большой театр. Его дебютом стала «Спящая красавица» Чайковского. В 1961 году Рождественский возглавил Большой симфонический оркестр Центрального телевидения и радиовещания. В это время проявились репертуарные предпочтения дирижера.

Он с огромным интересом осваивал музыку ХХ века, а также знакомил публику с «нешлягерными» сочинениями. Музыковед, доктор искусствоведения Виктор Цуккерман в письме к Рождественскому признавался: «Мне уже давно хотелось высказать глубокое уважение и даже преклонение перед Вашей самоотверженной, может быть, даже подвижнической деятельностью по исполнению либо незаслуженно забытых, либо мало кому известных произведений».

Творческий подход к репертуару определил работу маэстро и с другими оркестрами - известными и не очень, молодежными и «взрослыми».

Все начинающие дирижеры мечтают учиться у профессора Рождественского: вот уже 15 лет он заведует кафедрой оперно-симфонического дирижирования Московской консерватории.

Профессор знает ответ на вопрос «Кто такой дирижер?»: «Это медиум между автором и слушателем. Или, если хотите, некий фильтр, который пропускает через себя поток, излучаемый партитурой, а затем пытается передать это публике».

Фильм «Треугольники жизни»
(с фрагментами выступлений дирижера), в трех частях

Г. Ломакин (1811-1885). Слава талантливого учителя пения пришла к Ломакину рано и быстро распространилась по северной столице. Его приглашали преподавать во многие учебные заведения: кадетские, морской и пажеский корпусы, в лицей, театральное училище, в училище правоведения (где в то время обучался П.И. Чайковский). В этом училище произошло знакомство Г.Я. Ломакина с критиком-искусствоведом В.В. Стасовым. Выдающийся русский критик не раз отмечал «отличную школу», «верную дорогу учения», «врожденный талант», «значение и мастерство в ведении хора», присущие Ломакину, что сыграло заметную роль в карьере нашего земляка. В 1862 году совместно с известным композитором М.А. Балакиревым Ломакин организовал бесплатную музыкальную школу – для просвещения и образования народа. В школе Г.Я. Ломакин не только создал новый чудесный хор, но и сумел поставить дело образования будущих учителей музыки. Многие его воспитанники стали известными музыкантами: певцами, хоровыми дирижерами, учителями. Последние годы жизни Гавриил Якимович отдал композиторскому труду: до этого он мог заниматься сочинением музыки лишь урывками, в недолгие часы перерывов между занятий с хорами. В тот период он создал целый ряд сочинений для хора, написал несколько романсов. А в 1883 году, когда управляющим Придворной капеллой стал М.А. Балакирев, Ломакин получил и редкую возможность издать свои сочинения. Их доработке и правке корректурных листов он отдал последние дни своей жизни.

А. Архангельский (1846-1924)

Придворная капелла.

Независимый хор(1880).

Капелла графа Шереметьева.

C.В. Смоленский (1848-1909)

Директор Синодального училища (1889-1901).

Директор придворной певческой капеллы (1901-1903).

Директор частных регентских курсов(Санкт-Петербург)

В.С. Орлов (1856-1907).

Хор Русского хорового общества (1878-1886).

Капелла Русского хорового общества (1882-1888).

Регент Синодального хора (1886-1907).

Александр Дмитриевич Кастальский (1856-1926).

Синодальный хор (регент с 1901).

Павел Григорьевич Чесноков (1877-1944) .

Частный духовный хор А.П. Каютова.

Хор Русского хорового общества (1916-1917).

Регент московских храмов.

Николай Михайлович Данилин (1856-1945) .

Синодальный хор (1910-1918).

Частный хор Каютова (1915-1917).

Ленинградская академическая капелла.

Государственный хор СССР.

Свешников Александр Васильевич (1890-1980), хоровой дирижёр, народный артист СССР (1956), Герой Социалистического Труда (1970). В 1936-37 художественный руководитель Государственного хора СССР, организованного на базе созданного им в 1928 вокального ансамбля Всесоюзного радио; в 1937-1941 - Ленингр. капеллы; с 1941 - Государственного хора русской песни (позже Государственный академический русский хор СССР). Организатор (1944) и директор Московского. хорового училища (с 1991 Академия хорового искусства имени С.). Профессор (с 1946), ректор (1948-74) Моск. консерватории. Государственная премия СССР (1946).

ЮРЛОВ Александр Александрович (1927-73), хоровой дирижёр, народный артист РСФСР (1970), Азерб. ССР (1972). Ученик А.В. Свешникова. С 1958 художественный руководитель и главный дирижёр Респ. рус. хоровой капеллы (с 1973 его имени). Профессор Музыкально-пед. института им. Гнесиных (с 1970). Государственная премия СССР (1967).

Тевлин Борис Григорьевич хоровой дирижёр, профессор (1981), заведующий кафедрой хорового дирижирования МГК имени П. И. Чайковского (1993-2007). Народный артист Российской Федерации (1995).

Казачков Семен Абрамович (1909-2005) – педагог, профессор, заведующий кафедрой хорового дирижирования Казанской государственной консерватории.

Минин Владимир Николаевич (р. 1929), хоровой дирижёр, народный артист СССР (1988). Ученик В.Г. Соколова, А.В. Свешникова. С 1972 рук. основанного им Моск. камерного хора, с 1987 (одноврем.) художественный руководитель Гос. рус. хора. С 1978 профессор (в 1971-79 ректор) Музыкально-пед. института им. Гнесиных. Государственная премия СССР (1982).

Дмитряк Геннадий Александрович – хоровой и оперно-симфонический дирижер, заслуженный деятель искусств России, художественный руководитель и главный дирижер Государственной академической хоровой капеллы России имени А.А. Юрлова и Капеллы «Московский Кремль», доцент кафедры хорового дирижирования Российской академии музыки им. Гнесиних.

Требования к хоровому дирижеру

Прекрасно владеть дирижерской техникой;

Уметь грамотно разместить участников хора по партиям в соответствии с их певческим голосом и диапазоном;

С легкостью ориентироваться во всем многообразии музыкальных произведений разных стилей, эпох, направлений, знать теоретические основы записи и чтения хоровых партитур;

Иметь тонкий музыкальный слух, чувство ритма, и развитый художественный вкус.

Жанры хоровой музыки

ВИЛЛАНЕЛЛА (итал. деревенская песня)-итальянская песня 15-16 вв., преимущественно 3-голосная, с пар ал. движением голосов, живого характера, лирического или юмористического содержания.

КАНОН (греч. норма, правило) - полифоническая. музыкальная. форма, основанная. на строгой непрерывной, имитации, при которой. голоса повторяют мелодию ведущего голоса, вступая раньше, чем она закончится у предыдущего. Канон различают по числу голосов, интервалам между ними (Канон в приму, квинту, октаву и пр.), числу тем, имитируемых одновременно (Канон простой; двойной, например в № 4 Реквиема Моцарта и т. д.), форме имитирования (Канон в увеличении, уменьшении). В так называемом бесконечном каноне конец мелодии переходит в ее начало, поэтому голоса могут вновь вступать любое число раз. В каноне с «переменным показателем» (Вл. Протопопов) при имитации сохраняются мелодический рисунок и ритм, но меняется интервалика. Каноническая имитация, в том или ином виде, нередко применяется в хор. соч.; есть пьесы, написанные в форме К. («Эхо» О. Лассо, «Песня жаворонка» Ф. Мендельсона, обр. Н.А. Римского-Корсакова «Со вьюном я хожу» и др.).

КАНТ (от лат, cantus - пение, песня) - вид старинной хоровой или ансамблевой песни а кап. Возник в 16 в. в Польше, позднее - на Украине, со 2-й полов. 17 в.- в России, получив распространение как ранний вид го-родской песни; к нач. 18 в.- излюбленный жанр домашней, бытовой музыки. Сначала кант- песня-гимн религиозного содержания, позднее проникается светской тематикой; появляются канты. лирические, пасторальные, застольные, шуточные, походные и др. В петровскую эпоху были популярны панегирические канты, так наз. виваты; исполнялись хорами певчих во время празднеств и триумфальных шествий, сопровождаемых пушечной пальбой, фанфарами и колокольным звоном. Стилевые признаки канта: куплетная форма, подчиненность музыкального ритма стихотворному; ритмическая четкость и плавность мелодии;, преимущественно 3-голосный склад с параллельным движением 2-х верхних голосов, бас нередко мелодически развит; встречается и имитация. В канте присутствует естественность соотношения мелодии и гармонии, уравновешенность гармонических функций - субдоминанты, доминанты, тоники. Б. Асафьев указывает, что «в эволюции музыки второй половины XVIII и начала XIX в. кант становится своего рода краткой энциклопедией торжествующего гомофонного стиля» («Музыкальная форма как процесс», Л., 1963, с. 288). Канты распространялись в рукописных сборниках, без указаний авторов текста и музыки, хотя часто использовались стихи современных поэтов Тредиаковского, Ломоносова, Сумарокова и др. По типу канта делались первые обр. нар. песен. Постепенно кант усложнялся, приобретая черты романса. В дальнейшем (в 19 в.) на основе канта создавались солдатские, застольные, студенческие, отчасти и революционные песни. Влияние канта встречается и в рус. классической музыке, у Глинки («Славься» из оперы «Иван Сусанин») и др.

КАНТАТА {итал. cantare -- петь) - произведение для певцов-солистов, хора и орк., торжественного или лирико-эпического характера. Кантаты могут быть хоровыми (без солистов), камерными (без хора), с сопровождением фортепиано или без сопровождения, одночастными или состоять из нескольких законченных номеров. От оратории (сходной с ней по средствам выражения) кантата отличается обычно меньшим размером, однородностью содержания, менее развитым сюжетом. Кантата возникла в Италии (17 в.) сначала как пьеса для пения (в отличие от сонаты). Значит, место кантата занимает в творчестве И. С. Баха, писавшего кантаты на духовные, мифологические и бытовые сюжеты. В России кантата проявилась в 18 в., достигла развития в 19 и 20 вв.: сольная театрализованная кантата («Черная шаль» Верстовского), приветственные, юбилейные, лирические, лирико-философские кантаты («Прощальные песни воспитанниц Екатерининского и Смольного институтов» Глинки; «Москва», «К радости» Чайковского; «Свитезянка» Римского-Корсакова; «Иоанн Дамаскин», «По прочтении псалма» Танеева; «Весна», «Колокола» Рахманинова; «Кантата на открытие памятника Глинке» Балакирева и т. д.).

Жанр кантаты получил развитие в творчестве советских композиторов, особенно в сочинениях на историко- патриотическую и современную тему («Александр Невский» Прокофьева, Симфония-кантата «На поле Куликовом» Шапорина, «Кантата о Родине» Арутюняна и др.). Современный немецкий композитор К. Орф написал сценические кантаты (Кармина Бурана и др.).

МАДРИГАЛ (итал.) -лирическая песня на родном яз. (в отличие от песнопений на лат, яз.), первоначально одноголосная. В эпоху раннего Возрождения (14 в.) исполнялся в 2-3 голоса. В эпоху позднего Возрождения (16 в.) занял центр, место в светской музыке, представляя собой одночастную или многочастную вокальную композицию поли-фонического склада на 4-5 голосов; был распространен и за пределами Италии. Жанр мадригал преимущественно лирический, тесно связан с поэтическим текстом (вплоть до иллюстрации отдельных слов). Сложившись в аристократических кругах, мадригал по мелодике (в отличие от фротоллы, вилланеллы, шансон и др.) далек от народной музыки, нередко слишком изощрен; вместе с тем имел и прогрессивное значение, расширив круг образов и выразительно-изобразительных средств. Более прост, связан с фольклором, эмоционален английский мадригал 16-17 вв. (Т. Морли, Д. Дауленд, Д. Уилби). К 17 в. мадригал отходит от вокально полифонического стиля, выделяя солирующий голос с инструментальным аккомпанементом. Выдающимися мастерами мадригала (на разных этапах его развития) были Аркадельт, Вилларт, А. Габриели, Палестрина, Маренцио, Джезуальдо, Монтеверди.

МОТЕТ (от франц. mot - слово) - жанр вокальной. многоголосной. музыки. Первоначально во Франции (12-14 вв.) в мотете соединялось несколько. (чаще всего 3) самостоятельных мелодий с разными текстами: в нижнем голосе (тенор) - церк. песнопение на латинский текст, в среднем (мотет) и верхнем (триплум) - любовные или шуточные песни на разговорном французском языке. Католическая Церковь боролась против таких «вульгарных мотетов», противопоставив им (с 15 в.) многоголосные песнопения на единый латинский текст. Мадригалы писались для хора а кап. (с конца 16 в. и с сопровождением), состояли из нескольких (2, 3 и более) разделов, в полифоническом, нередко и в аккордовом складе. В 17 в. возникли мотеты для солистов-певцов с инструментальным сопровождением.

ОПЕРНЫЙ ХОР - один из основных компонентов современного оперного спектакля. В связи с эпохой, жанром, индивидуальностью композитора хор в опере играет разную роль от создания бытового фона, декоративного элемента, участника пролога, интермедий до гл. действующего лица. В опере-сериа («серьезной опере», 17-18 вв.) хор почти отсутствовал, в опере-буффа («комической опере», 18 в.) появлялся эпизодически (напр., в финалах). Усилена роль хора как носителя образа народа в операх Глюка, Керубини, хотя нередко хор. сцены в них имеют ораториально-статичный характер. Большее драматургическое значение придано хору в западно-европейских операх первой трети 19 в., у Россини («Вильгельм Телль»), Верди («Набукко», «Битва при Леньяно»), с их образами героического народа; в опере Мейербера участием хора подчеркиваются драматические кульминации, В лирической опере 19 в. хор способствует созданию соотвествующей обстановки, национального колорита, настроения (оп. Бизе, Верди, Гуно); в народно-бытовой опере хоры носят жанровый характер, близки к народной песне, танцу (оп. Мо-нюшко, Сметаны). Рус. светское хоровое искусство впервые представлено оперными хорами (18 в., оп. Фомина, Пашкевича и др.); и в дальнейшем хоры занимают большое место в рус. операх, являясь «краеугольным догматом и утверждением народности и демократизма» (Б. Асафьев). Оперно-хоровое творчество рус. композиторов отличается исключительно разнообразием.

В историко-патриотических операх («Иван Сусанин» Глинки, «Кпязь Игорь» Бородина, «Псковитянка» Римского-Корсакова и др.) хор становится главным действующим лицом, наравне с героями. Особенно (большое значение приобрел хор в народно-музыкальных драмах Мусоргского («Борис Годунов», «Хованщина»), где образ народа представлен многопланово, в развитии. В русских бытовых операх Верстовского («Аскольдова могила»), Даргомыжского («Русалка»), Серова («Вражья сила»), Чайковского («Черевички», «Чародейка») и др. наблюдается тесная связь с народной песней. Национальное своеобразие отражено в хоровых сценах опер, связанных с восточной тематикой («Руслан и Людмила» Глинки, «Демон» Рубинштейна, «Князь Игорь» Бородина и др.). Хоровые средства находят применение в изображении сказочных, фантастических сюжетов (оп. Глинки, Верстовского, Римского-Корсакова). Используется хор и в ораториальном плане, обычно в прологе, эпилоге (оперы Глинки, Серова, Рубинштейна, Бородина и др., в исполнении гимнов и т. п. («Орлеанская дева» Чайковского, «Хованщина» Мусоргского и др.). Традиции активного участия хора в русской классической опере находят продолжение в советском музыкальном творчестве: оперы русских советских композиторов «Война и мир», «Семен Котко» Прокофьева, «Декабристы» Шапорина, «Катерина Измайлова» Шостаковича, «Емельян Пугачев» Коваля, «Тихий Дон» и «Поднятая целина» Дзержинского, «Октябрь» Мурадели, «Виринея» Слонимского и др., многие национальные оперы содержат отдельные хоры и развитые хоровые сцены. Оперный хоровой коллектив имеет свою специфику исполнения: это, прежде всего, большая яркость, выпуклость нюансировки (аналогично декоративному оформлению), подчеркнутость текста, его способность «лететь через оркестр» в зрительный зал. Поскольку оперный хор часто находится в движении, необходима особая уверенность, самостоятельность каждого его участника. Для развития этих качеств в некоторых коллективах певцы обучаются тактированию при изучении своих партий. Наличие мизансцен, при которых хор не видит дирижера, вызывает необходимость так наз. передач (дирижерского темпа), проводимых из-за кулис хормейстерами; при этом, с целью достижения синхронности исполнения, делается некоторое упреждение дирижерских «точек» (большее или меньшее, в зависимости от глубины расположения хора).

ОРАТОРИЯ (от лат, ого - говорю, молю) - крупное музыкальное произведение для хора, солистов, орк.; сост. из вокальных ансамблей, арий, речитативов, законченных оркестровых номеров., оратория возникла в Италии, на рубеже 16-17 вв., почти одновременно с кантатой и оперой и по структуре близка к ним. От кантаты отличается более крупным размером, развернутым сюжетом, эпико-драматическим характером, от оперы - преобладанием повествовательного элемента над драматическим, развитием. Оратория развилась из драматизированных лауд (духовных хвалебных гимнов), исполнявшихся в специальных помещениях при церкви - ораториях. Особый тип оратории- Страсти; по структуре и типу к оратории относятся также месса, реквием, «Стабат матер» и др. Высокого расцвета жанр оратория достигает в творчестве Баха и особенно Генделя, создавшего тип героико-эпической оратории; жанрово-бытовыми и лирико-философскими чертами отмечены оратории Гайдна. В 19 в. произв. ораториального жанра создавали Мендельсон, Шуман, Берлиоз, Брамс, Дворжак, Лист, Верди и др., в 20 в. - Онеггер, Бриттен и др. Первая значит, русская оратория «Минин и Пожарский» Дегтярева; ряд ораторий создал А. Рубинштейн («Вавилонское столпотворение», «Потерянный рай» и др.). В операх русских классиков широко используются приемы ораториального стиля в виде больших хоровых сцен («Иван Сусанин», «Руслан и Людмила» Глинки, «Юдифь» Серова, «Князь Игорь» Бородина, «Садко» Римского-Корсакова и др.). Жанр оратории находит широкое применение у советских композиторов при воплощении исторических и современных тем («Емельян Пугачев» Коваля, «Сказание о битве за Русскую землю» Шапорина, «Песнь о лесах» Шостаковича «На страже мира» Прокофьева, «Реквием» Кабалевского, «Махагони» Зариня и др,).

ПЕСНЯ - наиболее простая и распространенная форма вокальной музыки, объединяющая поэтический образ с музыкальным. Характерным для песни является наличие законченной, самостоятельной, певучей мелодии, простота структуры (обычно период или 2-, 3-частн. форма). Музыка песни соответствует общему содержанию текста, без его детализации (например, в очень распространенной куплетной песне). Существуют народные и профессиональные (произв. композиторов) песни, различающиеся по жанрам, происхождению, складу и т. д. Распространенным является жанр хоровой песни: народная песня (крестьянская и городская), советская массовая песня, отд. хоры русских и советских композиторов. В западно-европейской музыке хоровая песня культивировалась композиторами- романтиками (Вебер, Шуберт, Мендельсон, Шуман, Брамс). В переносном смысле термином песня. или песнь (чтобы подчеркнуть эпичность, торжественность, поэтическую возвышенность произведения) пользуются в названии крупных музыкальных сочинений, кантат (например, «Песнь судьбы», «Триумфальная песнь» Брамса).

ХОРАЛ - религиозное песнопение в католической и протестантской церкви. Протестантский многоголосный хорал (введенный в 16 в. деятелями Реформации) исполнялся всей общиной на немецком языке (противопоставлялся унисонному григорианскому хоралу, который пели на латинском языке специальные певчие-мужчины). Мелодии хорала отличаются малоподвижным ритмом. Хоральным складом (или просто хоралом) обычно называют. аккордовое изложение равномерными длительностями в нескором движении.

Публикации раздела Музыка

По мановению руки

Валерий Гергиев. Фотография: Michal Dolezal / ТАСС

Т оп-5 российских дирижеров.

Валерий Гергиев

Сотрудники одного авторитетного журнала о классической музыке однажды задались целью выяснить, когда спит маэстро Гергиев. Сопоставили графики гастролей, репетиций, перелетов, пресс-конференций и торжественных приемов. И выяснилось: никогда. Получается, что он также не ест, не пьет, не видится с семьей и, естественно, не отдыхает. Что ж, в работоспособности - залог успеха. Только так можно стать одним из самых востребованных и самых популярных дирижеров мира - таким, как Валерий Гергиев.

В 7 лет Валеру родители привели в музыкальную школу. Мальчик выглядел очень озабоченным и все время поглядывал в окно. Еще бы, его отвлекли от футбола, а там наши проигрывают! После прослушивания педагог обратился к маме: «Мне кажется, слуха у него нет. Может быть, он станет Пеле...» Но материнское сердце не обманешь. Она всегда знала, что ее Валера - гений, и добилась, чтобы его приняли в музыкальную школу. Уже через месяц преподаватель взял свои слова обратно. Триумфом молодого музыканта, который из Владикавказа уехал в Ленинград, в консерваторию, стала победа на Конкурсе имени Герберта фон Караяна - самом престижном из всех. С тех пор Гергиев знает цену победам - и, как может, опекает молодых и талантливых музыкантов, оказавшихся рядом.

В 35 лет - он худрук Мариинского театра! Немыслимо: огромная махина с двумя труппами - оперной и балетной - и отличным симфоническим оркестром, доставшимся по наследству от Юрия Темирканова, - в твоем распоряжении. И можно играть любую музыку, какую захочешь. Даже Вагнера, так горячо любимого Гергиевым. Валерий Абисалович поставит в своем театре «Кольцо нибелунга» - все четыре оперы, идущие четыре вечера подряд. Сегодня это под силу только Мариинскому театру.

Но негласное соревнование с Москвой все же идет. Большому построили новую сцену, закрыли на реконструкцию - а Гергиев строит в Петербурге новый концертный зал, без единой государственной копейки (Мариинка-3), затем - роскошную Новую сцену Мариинки-2.

Москву Гергиев покорил всерьез и надолго в начале двухтысячных, когда основал здесь Пасхальный фестиваль и, конечно, возглавил его. Что творилось в столице в пасхальное воскресенье! Большую Никитскую перекрывали с милицией, на подходе к Большому залу Консерватории были сплошные медийные лица, лишний билетик не просто спрашивали - вырывали из рук за любые деньги. Москвичи так истосковались по хорошим оркестрам, что готовы были молиться на Гергиева, который со своим оркестром предоставлял им не просто качество - иногда случались и откровения. И так, в общем, продолжается до сих пор. Только сейчас это уже не несколько концертов, как в 2001-м, а 150 - по всей России и даже за ее пределами. Большого размаха человек!

Владимир Спиваков. Фотография: Фадеичев Сергей / ТАСС

Владимир Спиваков

Профессор Янкелевич подарил талантливому ученику Центральной музыкальной школы Володе Спивакову ту самую скрипку, с которой тот сделает свою музыкальную карьеру. Инструмент венецианского мастера Гобетти. У нее был «инфаркт» - деревянная вклейка на груди, и скрипичные мастера полагали, что, вообще-то, она звучать не должна. Но только не у Спивакова. «Вовочка, с тобой хорошо продавать скрипки: любая кастрюля через три минуты начинает звучать», - сказал ему однажды старый скрипичный мастер. Уже много позже, стараниями жены Сати, у Владимира Теодоровича появится заветный Страдивари. Мир же скрипач Владимир Спиваков покорил с Гобетти: выиграл несколько престижных конкурсов и объездил с гастролями все лучшие сцены планеты, не брезгуя, впрочем, и глубинкой, в том числе и российской - там тоже ждала публика.

Блестящий скрипач покорил весь мир. Но в середине 70-х, в самом разгаре карьеры, он начинает учиться профессии дирижера. Старейшина дирижерской школы Лорин Маазель спросил, не сошел ли тот с ума. Зачем ему это надо, если он так божественно играет. Но Спиваков был непреклонен. Его великий учитель Леонард Бернстайн был так покорен настойчивостью и талантом ученика, что подарил ему свою дирижерскую палочку. Но одно дело - научиться дирижировать, другое - найти коллектив для этого. Спиваков не стал искать, он его создал: весной 1979 года появился камерный оркестр «Виртуозы Москвы». Оркестр быстро прославился, но до официального признания музыкантам приходилось репетировать по ночам - в кочегарках, ЖЭКах, в клубе Военной академии имени Фрунзе. По словам самого Спивакова, однажды в Томске оркестр дал три концерта в один день: в пять, семь и девять часов. А слушатели несли музыкантам еду - картошку, пирожки, пельмени.

Путь в Большой зал Консерватории для «Виртуозов Москвы» был недолгим: сказать, что оркестр был популярен, - мало, здесь годится только превосходная степень. По примеру своего фестиваля во французском Кольмаре он организовал фестиваль и в Москве, куда приглашает мировых звезд. Рядом с творческими силами появилась еще одна линия - благотворительная, в Фонде Спивакова умеют найти и поддержать талант, а стипендиаты конкурируют только сами с собой (одним из первых был Евгений Кисин).

В 2000-х Владимир Теодорович создал еще один коллектив - Национальный филармонический оркестр России. Базируется он в Московском международном доме музыки, чей президент - Владимир Спиваков.

Юрий Башмет. Фотография: Валентин Барановский / ТАСС

Юрий Башмет

Вот человек со счастливой судьбой. Он, как Юрий Гагарин, - первый. Конечно, его не возят на лимузине с открытым верхом по улицам нашей столицы и всех прочих столиц мира, не называют его именем улицы и площади. Впрочем... Его именем называют музыкальные школы, а восторженные поклонники во всем мире положили к его ногам, наверное, миллион алых роз - а то и больше.

Знал ли он, когда во Львовской центральной музыкальной школе переводился со скрипки на альт, что прославит этот до сих пор считавшийся незатейливым инструмент? А виноваты во всем Beatles. Можно сказать, они подарили миру и альт, и Башмета. Как любой подросток, он увлекся - да настолько, что сколотил собственную группу и тайком от родителей выступал на праздниках. А потом не знал, как признаться, что у него припрятана пачка купюр крупного достоинства, в то время как мама за месяц тратила одну.

После Львовской ЦМШ он поступил в Московскую консерваторию, поехал на первый зарубежный конкурс - замахнулся сразу на престижный ARD в Мюнхене (а других-то по альту и не было) и выиграл! Думаете, здесь началась его карьера? Только не на родине. В Большом зале Консерватории он сыграл сольно тогда, когда его альт прозвучал уже в Нью-Йорке, Токио и на европейских сценах. В Москве соблюдали субординацию: «Как мы вам дадим зал, когда у нас в штате заслуженные и народные?» (То, что они были артистами оркестра, значения не имело.)

Не хотите выпускать с сольными программами? Создам оркестр. За «Солистами Москвы» поклонники и поклонницы ездили по всей России, это был один из лучших камерных оркестров СССР. А дальше - звук альта расслышали композиторы, по счастливой случайности (XX век!) искавшие новые средства выразительности. Они сотворили себе и публике кумира, стали писать новые и новые опусы для альта. Сегодня количество посвященных ему сочинений исчисляется десятками, а композиторский азарт все не останавливается: каждый хочет написать для Башмета.

Юрий Башмет сегодня руководит двумя оркестрами («Солисты Москвы» и «Новая Россия»), возглавляет несколько фестивалей (самый известный из них - Зимний, в Сочи), много времени отдает работе с детьми: организует мастер-классы и занимается юношеским симфоническим оркестром, где играют, конечно, лучшие из лучших.

Юрий Темирканов. Фотография: Александр Куров / ТАСС

Юрий Темирканов

Догадывался ли Сергей Прокофьев, что маленький мальчик, сын руководителя Комитета по делам искусств Кабардино-Балкарии (он опекал московский музыкальный «десант» во время эвакуации), станет одним из лучших дирижеров мира? И к тому же страстным поклонником музыки самого Прокофьева: на счету Юрия Темирканова не только исполнение знаменитых партитур композитора, но и возрождение забытых. Его трактовки симфоний Шостаковича или опер Чайковского причисляют к эталонным, на них ориентируются. Его оркестр - с длинным названием, которое в просторечии превратилось в «Заслугу» (от заслуженного коллектива России - Академического симфонического оркестра Санкт-Петербургской филармонии имени Д.Д. Шостаковича), - вошел в рейтинг лучших оркестров мира.

В 13 лет Темирканов приехал в Ленинград, с этим городом связал свою судьбу. ЦМШ при консерватории, сама консерватория, сначала оркестровый факультет, затем - дирижерский, у легендарного Ильи Мусина. Карьера его развивалась стремительно: после консерватории он дебютировал в Малом оперном театре (Михайловском), на следующий год выиграл конкурс и отправился на гастроли - в Америку - с Кириллом Кондрашиным и Давидом Ойстрахом. Затем возглавил оркестр Ленинградской филармонии и в 1976 году стал главным дирижером Кировского театра. Где и создал те самые эталонные интерпретации опер Чайковского, а одну из них - «Пиковую даму» - и сам поставил. Валерий Гергиев, кстати, недавно эту постановку отреставрировал и вернул на сцену Мариинки. В 1988-м - это предмет особой гордости дирижера: его выбрали - а не назначили «сверху»! - главным дирижером той самой «Заслуги», а затем и худруком Санкт-Петербургской филармонии.

Альгис Жюрайтис. Фотография: Косинец Александр / ТАСС

Альгис Жюрайтис

Народный артист России, лауреат Государственной премии СССР Альгис Жюрайтис прожил 70 лет и 28 из них работал в лучшем театре большой страны - Большом. Уроженец Литвы, он окончил Вильнюсскую консерваторию (а позже получил еще одно образование - в Московской) и дебютировал в Литовском театре оперы и балета. Талантливого дирижера быстро заметили в столице - и Жюрайтис получил место в Москве: сначала был дирижером-ассистентом Большого симфонического оркестра Всесоюзного радио, затем дирижером Москонцерта и, наконец, в 1960-м попал в Большой театр.

Жюрайтис прославился работой с Юрием Григоровичем: большинство спектаклей знаменитый хореограф выпустил в Большом именно с Жюрайтисом, в том числе легендарный «Спартак».

Скандальную славу принесла дирижеру его статья в газете «Правда», посвященная экспериментальному спектаклю Альфреда Шнитке и Юрия Любимова «Пиковая дама»: в результате публикации постановка не дождалась премьеры, ее запретили. Гораздо позже в своих интервью Шнитке выскажет предположение, что за появлением этой публикации стоял секретарь ЦК КПСС по идеологии - Михаил Суслов, известный своими искусными интригами.

Последние 20 лет дирижер был женат на певице Елене Образцовой. «В один миг я влюбилась в Альгиса Жюрайтиса. Не понимаю, как это произошло - в одну секунду! Возвращались с гастролей и оказались в одном купе… Никаких провокаций с обеих сторон не было. Мы сидели, болтали. И вдруг точно искра вспыхнула между нами! И я уже больше не могла без него жить».